名 称：奥达利斯克坐像
时 期：公元1841年
材 料：大理石
规 格：高105厘米
创作者：普拉代尔

    到底是新古典主义者或浪漫主义者，在许多情况都不那么容易分得清楚。在一方面要坚持新古典主义，另一方面要求再创新，要求有对新兴事物的敏锐，在这样整个大艺术氛围下，普拉代尔也利用了一些东方主义色彩的时尚潮流。他的这件作品也正是他把新奇与现代两种艺术姿态相结合的体现。奥达利斯克坐姿是扭动与静止的组合，丰满的形体上有一些自然的皱纹，若有所思的五官都被塑得工整细腻，人物结构严谨完整。从中可以看出，作者此时已经完全自由地脱离旧古风，他能熟练地运用其学院派雕塑的技艺，附带借助很具独立个性的东方艺术手法，充分准确地表现女性的阴柔之美。

名 称：被神女侍候的阿波罗
时 期：公元1666-1673年
材 料：大理石
创作者：弗朗索瓦·日拉尔东
存藏处：法国凡尔赛花园塞蒂斯岩洞

    公元1666年，日拉尔东承揽了为塞蒂斯岩洞制作阿波罗和神女的的群雕，作品表现众神女正在给阿波罗沐浴的场面。阿波罗处于布局的中心。人物塑造秀丽，姿态活泼，神女们的神态和手势与阿波罗的神态和手势互相呼应，互相配合，协调统一，富于动感。雕刻线条圆润流畅，在风格上很接近希腊化时期的作品。作者虽然早期师从意大利巴洛克雕塑家贝尼尼，但他在创作上大体遵循了古典主义的一些原则，形成了自己的风格，他的作品大多具有优雅、宁静的特点。这组雕塑是古典风格的又一次完美再现。

名 称：佛罗里达战胜比萨
时 期：公元1565-1570年
材 料：大理石
创作者：乔万尼·达·博隆纳

    博隆纳是意大利雕刻中风格主义的代表人物之一，这组雕像充分表现了风格主义的特征。胜利的佛罗里达体态丰腴、优美，右腿轻压敌人的背部，比萨的形象弯曲犹如一块基座。佛罗里达的头部向左转动，与向右扭动的上身造成一种动态对比。在作品中，人物之间矛盾冲突并没有强烈体现，相反，人物之间姿态的优美弱化了这一主题。这体现了风格主义的特点，即不管从哪个角度去观赏，都给人以美的享受，这种新的雕像构图，是经过巧妙设计出来的，与从正面看才是最美的古典雕塑不同。作品造型准确，形象生动，雕刻手法细腻、逼真，构图优美，体现了博隆纳高超的雕刻技法。

名 称：极乐的贝尔冬妮
时 期：公元1671-1674年
材 料：大理石和红宝石
创作者：吉恩·洛伦佐·贝尼尼
存藏处：意大利罗马圣弗朗切斯卡·阿·巴里大教堂

    贝尼尼是公元17世纪巴洛克风格建筑家和雕塑家。在罗马从事创作，曾完成大批教堂装饰和城市改建工作。其建筑作品力求与雕塑紧密结合，装饰豪华，形式活泼，注重透视和光线效果，对意大利巴洛克艺术的发展起到过巨大的推动作用。该作表现的是圣教徒迷醉于宗教情绪中的情景。人物呈卧姿，仰卧于床中，右手抚胸，闭着眼睛，嘴巴张开，流露出心醉神迷的表情。该作形象完整，准确地表现了面部皮肤的娇嫩和手的柔软，褶皱的衣纹显示出巴洛克“畸形珍珠”的艺术特色，是表现宗教题材的优秀作品。

名 称：教育圣婴
时 期：公元15世纪晚期
材 料：彩绘石
规 格：79×45厘米
存藏处：法国巴黎卢浮宫博物馆

    这是一件文艺复兴时期法国的雕刻，虽是教育圣婴这一宗教题材，但却完全世俗化了。圣母被表现成世俗的女性形象，没有神圣的光环，只有一般母亲的慈爱。她右手在翻着书本，左手抱着圣婴，坐在柜子上。“圣婴”右手漫不经心地捏着书，头已扭到了一边，眼睛早就逃离了书本，两只小脚丫还在踢腾，人间儿童的形象呼之欲出，这些都是人文精神的显现。雕刻的传神之处在于人物神态的精到和动态的栩栩如生、母亲的静谧与孩子的不安份，雕像上部的细腻柔和与下部衣褶的起伏形成了对比，母亲的右视、孩子的左视又使得构图变得开阔起来。总之，无论从哪方面来讲，该作品都可称为文艺复兴时法国雕塑中的典范之作。

名 称：哺乳的女人
时 期：约公元16世纪晚期
规 格：高31.7厘米
材 料：混合陶

    作品表现了一个十分平凡的日常生活题材：一位年轻的母亲正在哺乳。以往的艺术家们热衷于盛赞英雄人物或表现《圣经》中神的题材，乐于再现古典艺术中的力量之美。而这尊雕像以她的平凡显示着她的魅力。女人看孩子的神情如此专注，又略带一丝忧伤，在她的身后，还有一大堆事情等着她去操劳，而孩子，是她今世最大的寄托。女人的衣裙处理成大块面，与侧后面露出的黑色的衬裙丰富的衣褶形成对比。三种不同的颜色釉的运用加强了作品的表现力。这件作品由Avon工场制作，由不同的工人完成不同的部分，从这方面看，它应该属于一件工艺品。

名 称：劫夺萨宾女人
时 期：公元1582年
规 格：高404厘米
材 料：大理石
创作者：乔万尼·达·博隆纳
存藏处：意大利佛罗伦萨圣格罗里亚德拉长廊

    博隆纳是意大利雕塑风格主义的代表人物。这尊雕像体现了风格主义的特征，内容表现萨宾女人被劫的故事。作品构图奇特，3位人物呈直线，互相缠绕而上升，使整个作品有一股向上的力。中间的男人已抢走萨宾女人，最底下的男人被压在劫夺者双腿下，只能眼睁睁地看着自己的女人被抢走。整个作品呈现出一种挣扎的、动态的曲线美，人体塑造非常优美。男人体格骠悍结实，代表着刚强的力量，女人体柔美婀娜，与之形成鲜明对比。中间男人体的背部呈S形，是整个构图的中心。戏剧性的表现形式是这尊雕塑的特点。

名 称：玛丽·罗宾逊胸像
时 期：公元1824年
材 料：大理石
规 格：高46.4厘米
创作者：大卫·安格尔斯
存藏处：让·保罗·盖蒂博物馆

    玛丽·罗宾逊是亨利·罗宾逊上尉(1782-1866)的女儿，罗宾逊上尉在法国期间，成为了肖像雕刻家最亲密的朋友之一，从而这个法国公元19世纪最著名的浪漫主义代表肖像雕刻家为罗宾逊小姐做了这一胸像。胸像展现的少女安详、恬静，五官清秀可人。最值得称道的是少女的头发，它被细致地梳成两髻盘于头顶，发束纹丝不乱，发梢自然卷曲，似给单调的头顶加上了美丽的发饰。作者通过对大理石材质的熟练掌握，把少女发质的光滑柔软毫无遗漏地展现了出来，使这一胸像无疑成为此时期肖像作品中的精品。

名 称：说教中的佛陀
时 期：公元5世纪
材 料：砂岩
规 格：通高118厘米
存藏处：英国伦敦大英博物馆

    这是典型的笈多王朝古典样式的佛陀造像。宁静、内向、和谐是整个作品的基调。佛陀眼帘低垂，带有沉思冥想的神情；细长的眉弓向上挑起，鼻翼舒张，下唇宽厚，嘴角自然上翘，浮现出恬静的微笑；长厚的耳垂，与耳环连成一体；头顶有肉髻，上面均匀地露盖着卷贝状螺发；通肩式法衣轻盈薄软。佛陀双臂自然弯曲，双手端放胸前，作转法轮印，即右手掌心向外，以大姆指接触食指；左手掌心向内，以中指和小指接触右手，仿佛在屈指讲解"苦、集、灭、道”四圣谛。膝部法衣有阴刻"∪”字形衣纹；肥厚敦实的双脚踏在莲花台座上。背光圆大，边缘有联珠纹饰；佛背障有怪兽装饰。
    此尊佛像受笈多时代萨拉那特造像样式的影响，具有迦梨城佛像样式的典型特征。此时，正是佛教艺术的鼎盛期，倚像式佛尊造像即从此时开始，随着佛教艺术的广泛传播，笈多样式的佛陀造像也被传入各地佛宗世界，并与当地雕塑艺术结合创造出崭新的样式。

名 称：希腊少女
时 期：公元1852年
材 料：石膏
规 格：高94.5厘米 长184厘米
创作者：大卫·安格尔斯

    希腊少女身体的每一部分都有纯洁的生命活力，少女的面目单纯，肌肤光洁，整个雕像不含杂质。但也正是这座雕像因过于纯美受到批评，因为在当时新古典主义、浪漫主义和现实主义过于混杂不清的艺术氛围下，一些人认为希腊少女的灵魂是多么不高贵，就像一位赤脚的牧羊女。作者大卫决不理会这些狭隘的评价，而且把它们当作“嘲讽纪念品”。大卫又把这座雕像置于一位希腊独立自由的女英雄墓前，少女半屈膝，并且用其手指拼写英雄的名字，又赋予了雕像深刻的喻意。大卫在雕塑生涯所追求的就是自然理想主义，他作为艺术创造强者，使作品的表现力度也一再升华。《希腊少女》由纯粹的形体刻画到表现为对英雄人物英勇气概的追溯，也有相当的民族意义，她能以一个柔美的角度感染被召唤者的情绪，她正在健康发育，这也象征整个民族精神的蓬勃向上。

名 称：悲伤
时 期：公元1816年
材 料：大理石
规 格：高1600厘米
创作者：弗兰科西斯·麦尔赫蒙

    人们担心死亡会使自己脱离亲友的记忆，又渴望自己死后还能看到世界的美妙，成功人士不应因最终的死亡而埋没。在公元19世纪前半期，墓地雕塑极其火热，就连法国政府都颁布法律支持维护这种艺术潮流的涌动。由于大量优秀墓地雕塑作品的涌现，国家公墓变成了艺术展览馆。此作品中，作者主要是刻画一位年轻的寡妇，她的丈夫在事故中死亡，给她留下6个孩子，这样生活对于她来说显得异常艰难。寡妇坐在丈夫的墓前，悲伤地低着头，双手捂住脸，仿佛不敢面对今后的日子。她戚然而坐，衣裙散落，既为丈夫的离开而悲伤，又为自己和孩子的命运迷茫担忧。一位民间女子的无助和伤痛，让人看了不能不怜悯同情。虽然作者没有雕刻出人物形象的五官，但女人的脆弱、承受不住的悲伤都能从她身体的无力支撑、下滑的双肩、抖动的衣裙上明显地表达出来。

名 称：暴力与谨慎
时 期：公元1302-1310年
材 料：大理石
创作者：吉瓦尼·比萨诺
存藏处：意大利比萨大教堂

    这是包含象征意义的雕像作品，人物、动物的造型都非常写实，近乎于自然主义风格。两个人的动作不同，着衣者倒提一只狮子，不失优美柔和的面容，体态透出一股咄咄逼人的气势。她手中的狮子显出无奈的顺从模样，任凭脑袋被人以脚踩定，没有可能也不妄想挣脱。而另一裸体者则采取护卫的站姿，侧身转首，目光中有明显的温柔神情，宛如古希腊雕塑中入浴的维纳斯。在二人之间立着一只巨大的鹰隼，展翅回头，观望它身旁的女子，鹰的目光不是犀利凶狠的，而带有一些驯良顺服的特点。其羽毛刻画得十分细致，每根羽毛都有细致入微的表现，整体感强，本身就是几近完美的艺术作品，同整座雕像所塑造的气氛相呼应，是艺术特质水平的集中展现。

名 称：康士坦察·布奥诺丽可胸像
时 期：公元1635年
材 料：大理石
创作者：贝尼尼

    康士坦察·布奥诺丽可是贝尼尼的情人，这件作品是他融入了所有感情创作的，与他的矫饰主义风格不同，手法显得更加自由。他没有过多注重衣纹的刻画，而是抓住她瞬间的神情：头发蓬松，头部略微扭动，似乎在被情所动而呼吸着。肖像面部表情略显忧虑，微张的嘴巴好像听到什么呼唤，充分显示了她的气质。作者在这尊雕像上赋予真情。这是贝尼尼肖像代表作之一。

名 称：拔刺的女人
时 期：公元1560-1570年
规 格：26×21.6厘米
材 料：混合陶瓷
创作者：庞西·捷克奥特

    此雕像表现一位裸体的女人屈身拔取脚底刺的动态，风格主义的轻巧优美、富有魅力的艺术风格在此雕像上得以体现。女性的动势轻柔，具有强烈的形式美感，外轮廓显得舒服流畅，基于样式主义的特点影响，人物的手臂也因被拉长而显得优美，同时这也是样式主义的一种缺憾。它的夸张和强烈形式也使得其作品具有矫揉造作的风格，但其外轮廓的流畅和优美却是无可否认的。

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下面将为大家介绍两位著名雕塑大师的一些成名作.

首先是米开朗基罗.

米开朗基罗1475－1564)，意大利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家、建筑师和诗人。他和达芬奇、拉斐尔并称文艺复兴三杰的艺术巨匠。他的艺术不像达芬奇那样博大精深，充满科学的精神和哲理的思考，也不同于拉斐尔的典雅和谐，而是以雄浑、豪放、宏伟、刚健和充满激情著称。米开朗基罗代表了欧洲文艺复兴时期雕塑艺术的最高峰，“神圣而痛苦的生涯”是法国现代著名作家罗曼·罗兰对米开朗琪罗一生的高度概括，并用诗一样的语言把他比作文艺复兴时期“巨星”：“他之于意大利，无异是整个民族天才的化身。他的生涯的终局，已是文艺复兴时期遗下的最后的巨星。他是文艺复兴时期的代表，整个世纪光荣都是属于他的。不独是艺术家认为他是一个超自然的人，就是王公大臣也在他的威望之前低头”。他在艺术作品中倾注了自己满腔的激情。并以宏伟壮丽的形式表现出来的，气魄宏大，充满了无穷的力量。他所塑造的英雄既是理想的象征又是现实的反应。这些都使他的艺术创作成为西方美术史上一座难以逾越的高峰。

     米开朗基罗1475年3月6日生于佛罗伦萨附近的卡普莱斯。他13 岁时进入佛罗伦萨画家基尔兰达约的工作室学艺，显露出非凡的艺术才华。后转入圣马可修道院的美第奇学院作学徒。1496年，米开朗基罗来到罗马，创作了第一批代表作《酒神巴库斯》和《哀悼基督》等。　　

   他在1498年～1501年完成的作品《哀悼基督》中用圣母青春形象寄托人文主义关于人性崇高和不朽的理想。大胆的艺术构思和巧妙的构图，精致的细部刻画，相得益彰，作品震惊了整个罗马艺坛，大家万没有想到这件作品是出自一个二十来岁的年青人之手。为了消除人们的猜疑，米开朗琪罗不得不在圣母衣带上刻下自己的名字来证实作品出自他手。这是他在任何别的作品上，都未曾作过的事。缘由是，有一天他到展品的地方，有人问道是谁创作了这件作品时，有人说：“我们米兰的戈波。”米开朗基罗一语未发，但他觉得这太不公平了，因此，一天夜里他拿了灯光和凿刀潜入圣彼得教堂，把名字刻在圣母的衣带上。《哀悼基督》云石雕像，高175厘米，现收藏于罗马梵蒂冈圣彼得大教堂。 这件作品是米开朗基罗应法国红衣大主教罗昂·圣戴尼的请求，为圣彼得大教堂所作。
    作品的题材取自圣经故事中基督耶酥被犹太总督抓住并钉死在十字架上之后，圣母玛丽亚抱着基督的身体痛哭的情景。 这个基本情节给了米开朗基罗发挥的余地。他在构思时对作品中的人物充满了真挚的感情。雕像中，死去的基督脸上没有任何痛苦的表情，横躺在圣母玛丽亚的两膝之间，右手下垂，头向后仰，身体如体操运动员一般细长，腰部弯曲，表现出死亡的虚弱和无力；在与圣母厚重的斗蓬与长袍衣裙的对比中，基督的完美身躯显得既突出又脆弱。它让人们感受到一种美好的品德受到摧残之后所留下的遗憾、和悲痛。美丽俊俏的圣母无力地低着头，眼险低垂，显示出楚楚动人的悲哀。她右手托住基督的身体，左手略向后伸开，表示出无奈的痛苦；头向下俯视着儿子的身体，陷入深深的悲哀的静默之中；这种悲哀给观众带来的是同情，是怜悯， 是一种心灵的震撼，已经大大超出了基督教信仰所饱含的内容，超出神性的冷漠而空虚。这是一种洋溢着人类最伟大最崇高的母爱的感情。
    作者打破常规，改变以往的同类作品为了表现圣母在哀悼时而把圣母塑造成一位苍老而衰颓的母亲。恰恰相反，他把圣母表现得异常年轻貌美。她的美是直观的，但她的悲哀却是深沉的。她所体现出的青春、永恒和不朽的美，他所要表现的圣母是他自心目中的圣母，而不是教会规定的圣母。他事后向学生解释这个构思时说：“既然圣母是纯洁、崇高的化身，是神圣事物的象征，就一定能够避免岁月的折磨和世事的毁损。她所体现的青春永恒与形象的不朽性，正是人类对这种美好事物最高理想。”
    在构图上，圣母的垂直端坐的体态与基督横卧的身体，以及圣母的长袍所构成的稳固的座底形成的金字塔形。 基督的那脆弱而裸露的身体与圣母衣褶的厚重感以及清晰的面孔形成了鲜明的对比。雕像的制作具有强烈的写实技巧，显示作者娴熟的技巧，圣母的衣褶、基督的完美人体结构都雕凿得楚楚动人，没有忽略任何一个细节，甚至使用了天鹅绒对雕像进行了细致入微的打磨，这一切都赋予了石头以生命力，使作品显得异常光彩夺目。

《哀悼基督》

Quote:

绿色园丁 wrote:
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:(:(:(
这真的有点难为我了, 我在BILLWANG的发贴已经快到14000贴了, 精华贴好像都已经超过30多个了, 而且那些都是超长贴来的, 现在回想起来都怕怕了.xx(:P

   1501年，他回到佛罗伦萨，用了四年时间创作了一尊他一生中极为重要的大理石雕像——《大卫》。这是一块六米高的大理石，因一位笨拙的雕刻家一处理不当，在下部中间凿了一个窟窿，使巨石遭到严重破坏，而弃置在大教堂庭院。一般都认为，如果不修补这块大理石，很难用它制作一个雕像，而且没有人有勇气承担这个任务。米开朗基罗得到这块大理石后，决定雕刻大卫，而使它起死回生。

     据圣经《旧约全书》中记述，大卫是古代以色列一名少年牧童，以色列人经常和非利士交战。一天，两军刚刚摆开阵势，忽然，非利士营中冲出一员大将。他头戴铜盔，身披铠甲，虎背熊腰，身高七尺……这人就是迦特人歌利亚。见此情景，以色列营中无一敢出来迎战。一连40天，歌利亚骂阵不止。一日，大卫给他在军中三位兄长送饭，恰逢歌利亚骂阵，大卫求见以色列王扫罗，坚决要求出去迎战，大卫没有带盔披甲，没有带兵器刀枪，他仍然穿着平日的牧羊服，拿着牧羊时的打狼棍和弹石器，又顺便捡了5个石子来到了阵前。歌利亚看到只是一个牧羊的孩子，根本没有把他放在眼里。就在歌利亚拿着钢刀恶狠狠地直冲过来，将要接近大卫的一瞬间，大卫使劲一拉早已准备好的弹石器，石子正中歌利亚的脑门儿。这位迦特巨人一头栽到在地再也爬不起来了。非利士被这意想不到的结果惊呆了，顿时，营中大乱，以色列人乘胜追杀，非利士人落荒而逃......

    米开朗基罗创作这尊雕像时，还不到30岁，但他的艺术风格已趋于成熟。过去的艺术家们多半表现大卫割下敌人的巨头，已经取得胜利的情景。米开朗基罗表现的却是：大卫左手上举，握住搭在肩上的投石器，右手下垂，似将握拳。头部微俯，双目凝视前方，处于迎接战斗的状态。米开朗基罗把大卫作为一个爱国的青年英雄典型来塑造， 雕像充分体现了一种顽强、坚定和正义的精神气质。艺术高潮，不是激情的后面，而是产生激情的前一瞬间。

    在艺术技巧上，艺术家以解剖学为基础，对人体结构和全身的筋肉都表现得极为合理极为自然，为加强形象的力量，作者把头和两个胳臂的比例略微放大。对手的关节和大腿加上夸张加长。面部表情也非常逼真，他双眉紧锁，目光炯炯，全神贯注，显示出压倒一切敌人的威武姿态。

   《大卫》雕雕像高达2.5米。这件作品被视为保卫祖国，英勇战斗的典型形象，也成为后世艺术家学习雕塑的楷模，是雕塑史上最杰出的作品之一。 雕像完成后，放置在什么地方成了当时热烈讨论的中心，佛罗伦萨政府为此特设了一个委员会，邀请许多著名艺术家(包括达·芬奇等人)参加，最后仍按米开朗基罗本人的意见，决定放在市政厅。现在佛罗伦萨市政厅前矗立的是一个仿制品，原作已移藏在佛罗伦萨美术学院内。

《大卫》局部1

《大卫》局部2

   在米开朗基罗以前的艺术家，只是努力表白宗教的神秘与虔诚，到了米开朗基罗，才使宗教题材变成人的热情的激发。无论是大卫还是圣母，他所表现的都是一种鲜活的充满生机的人体。那些人物都超出了原来题材的含义而具有某种象征意味。米开朗基罗的雕塑大部分是人体，这是文艺复兴时期一种人文主义思想的表现特点，赞美人体的美，是对古代希腊艺术的一种“复兴“，其实，它的更深刻的意义在于反对宗教的虚伪，重视人及其现实的力量。这是思想解放运动在艺术上的一种反映。

    1505年，米开朗基罗被教皇朱理二世请到罗马工作，为他设计“世界最大的”陵墓，供教皇死后享用。喜怒无常的教皇一再改变计划，忍无可忍的米开朗基罗只好毅然出走，逃回佛罗伦萨。后来教皇动用军事武装直捣中部意大利，使佛罗伦萨政府不得不以国事方式迫使米开朗基罗又回到教皇的身边。米开朗基罗忍辱负重地从1508年起，不仅为教皇完成大量他所不愿意作的壁画，还为教皇死后完成了陵墓的全部设计和创作雕像的任务。陵墓工程巨大，雕像颇多，艺术家积多年的抑郁、愤怒和屈辱的心情全都寄托在这座陵墓的各个雕像上面，其中最有代表性的是他为陵前所塑的两尊奴隶像《被缚的奴隶》和《垂死的奴隶》以及《摩西》等。
    在墓前竖立奴隶像这是统治者的权威和身份的象征。这种沿自罗马统治者的纪念碑用囚犯作装饰的风俗中，奴隶像当然都是卑琐的。但是米开朗基罗所做的这两件奴隶橡却显得与众不同。奴隶的身体健美高大不说，他们的表情也显得尊贵，不像奴隶，倒像是英勇无畏的战士。米开朗基罗曾说过： “……在这样奴隶般和这样寂寞无聊的条件下，在斜路上，在极端的精神疲乏中，我应该雕刻自己神圣的制作……”。

《被缚的奴隶》他的头高昂着，紧闭着嘴唇，眼睛圆睁着，眼神中流露出反抗的愤怒和坚强不屈的意志。壮实的身体拧成了螺旋形，隆起的肌肉蕴含着无穷的力量，似乎随时都可能挣断绳索，争取做人的自由。 因此，这件作品也被称为“反抗的奴隶”。

《垂死的奴隶》两眼紧闭，似乎不是在迎接死亡，好象是在休息。他那安祥的脸上，没有垂死挣扎的痕迹，也没有因痛苦而造成的痉挛，却呈现出一种梦幻般的安详和平静，仿佛是一种摆脱了苦难的昏迷。他左手支撑着头部，右手扶在胸前，好象刚刚经历过严酷的折磨，精疲力尽，正在进入一种解脱的状态。作者用细腻的刀法，柔顺的线条来表现他的优美的形象，在这里，人的尊严被艺术家以卓越的技巧刻凿得淋漓酣畅，完美地体现。 文艺复兴时代的人文主义精神已经具体化，作品具有深远的丰富内涵。后来因种种原因，这尊雕像没有安放在陵墓前，现收藏在法国巴黎鲁佛尔博物馆内。

《被缚的奴隶》

《垂死的奴隶》

《垂死的奴隶》局部

《摩西》

    1508年5月～1512年10月，他用4年时间完成了梵蒂冈西斯廷教堂的天顶画，这幅面积达500平米的壁画《创世记》显示了米开朗基罗无与伦比的艺术才能，是意大利文艺复兴最伟大的贡献，也是空前绝后之作。

    在长达4年多时问里，除了配制颜料的助手外，没有第二个人上去帮助他。当整个壁画完成后，37岁的米开朗基罗累得像一个老人，憔悴不堪。由于长期仰视而不能低头，读一封信亦必须把它放到头顶上去，他曾写诗自嘲：“我的胡须朝向天，我的脑袋弯向肩，画笔上滴下的颜色，给我脸上画满图案。”
                                          
    西斯庭天顶画是以圣经《创世纪》为主线，人物有几百个，分为九个主题画面。周围再以建筑结构等柱壁装饰，把每个画面分隔开。如此壮观的天顶画，画得又那样精细、和谐，并且出自米开朗基罗一人手笔，实在是不可想象的。由于教皇一再催促，他受到了阻碍，没有能够按照自己的愿望创作这件作品。即将这样，作品刚刚完成，整个罗马都蜂涌而来，以先睹为快，第一个便是教皇，连清理，拆除脚手架的垃圾都等不及了。
    《创造亚当》是该壁画九个主题最知名的一幅。亚当困倦地斜卧在一个山坡下、他健壮的体魄，充满着年青人的力量与柔和。右臂依在山坡上、右腿伸长着摆在那里，左腿自然地曲着。头，悲愁地微俯。左臂依在左膝上伸向耶和华。耶和华飞腾的姿势，左臂亲搂地围着几个小天使。他的脸色不再是发施命令时的威严的神气、而是又悲哀又和善的情态。他的目光注视着亚当，他是第一个创造物。他后面由一群天使拥戴着，背景空无一物，象征广袤宇宙空间。这幅画给人启示，创造生命的力量存在于无限空间，亚当与人类的创造者，在这茫茫的太空中是真正的主宰，他们可以自由地创造一切。传说，拉斐尔看了这幅巨大的天顶画后，不禁感慨地说：“米开朗基罗是用与上帝一样杰出的天赋创造这个艺术世界”。

壁画《创世记．创造亚当 》 (中间这幅)

壁画《创世记．创造亚当 》 局部

    从1516—1527年问，先是德国皇帝军队的入侵，后又是美第奇家族的复辟活动，米开朗基罗参加了佛罗伦萨人民的起义行动，担负了城防防守工程的总工程师。起义失败后，又于1529年回到佛罗伦萨，被迫又为教皇克里门七世服务。在这样复杂多变的世事折磨中，在这种蛮横的封建家族胁迫下，米开朗基罗的思想变得更加深沉了，个人的苦闷、时代的黑暗，宣泄在艺术上，正因如此；他那些不朽的艺术品可以被看成是这位艺术家的思想和个性的结晶，上面残留着他那辛酸的斑斑泪痕。 这一时期，他在佛罗伦萨创作了他生平最伟大的作品，也是他创作盛期最后阶段的作品——美第奇家族陵墓群雕。
   
     佛罗伦萨巨头美第奇家族的陵墓位于圣洛伦佐教堂的一座小礼拜堂内，断断续续地前后施工长达15年之久。其间除了政治事件干扰外，教皇的朝令夕改也使艺术家深感苦恼，严重束缚米开朗基罗创作。米开朗基罗为这座陵墓制作了几尊著名的雕像，其中最著名的是朱利亚诺·美第奇陵墓前的一对男女人体雕像《昼》与《夜》和洛伦佐·美第奇陵墓前的一对男女人体雕像《暮》与《晨》，以及在这四座像上的《思想者》、《力行者》。

    《昼》《夜》与《晨》《暮》，这四个人物形象都被赋予了特殊的寓意，他们辗转反侧，似乎是为世事所扰，显得忧心忡忡，《昼》似乎是一个未完成的男性人体雕像，他好象刚刚从睡梦中被惊醒醒，右手在背后支撑着身体，眼睛圆睁着，正越过自己的肩头向前方凝视着；《暮》表现一个强壮的中年男子，未能入睡，在苦闷中发呆；《晨》的形象是处女的化身，她丰满而结实，似乎正从昏睡中挣扎着苏醒过来，但没有欢乐，只有身体和精神上的痛苦。《夜》是四尊雕像中最富有诗意的一尊，一个身材优美的女性，她右手抱着头，正在深深地沉睡着，脚下的猫头鹰象征着黑夜的降临，枕后的面具则象征着恶梦缠身，她似乎已经精疲力尽，只有在梦境中才能得到安宁。米开朗基罗有一段名言，便是这些雕像的最好注解：“睡眠是甜蜜的，成了顽石更是幸福，只要世上还有羞耻与罪恶存在着的时候，不见不闻，无知无觉，便是我最大的幸福，不要来惊醒我！”这些作品都具有强烈的不稳定感，象征着光阴的流逝，生与死的命运，反映了作者对意大利命运的担忧，对人类未来的感伤。

    四尊作品的造型美，人体的线条与四肢的姿势形成和谐变化。《日》是背向的，《夜》是正面的，两个像的腿的姿势，却是对称的。《日》与《夜》的身体弯曲如紧张的弓，《晨》与《暮》的姿势则是那么柔和、那么哀伤。前者的线条是斗争的强烈的，后者的线条是调和的、平静的。美第奇家族陵墓和其雕塑作品是纪念碑式的杰作，被认为是米开朗基罗艺术盛期最后阶段的作品。

《日》

《夜》

《晨》

《暮》