静物照片并不单纯是摄影者发现的无生命物体或群体。它是摄影者为了艺术效果而对物体仔细选择和安排后拍摄的照片。这一定义与15世纪以来在绘画中关于静物的传统说法是一致的，在19世纪初此定义也用于摄影。现存的某些最早的照片属于静物(达盖尔1835年的“艺术家工作室一角”，贝亚尔1840年的“小雕像”)，这可能是要求不动的被摄体的缘故。但静物在摄影中没有很好发展，直到19世纪中、末期兴起一股艺术运动(画意主义)之后才得以确认。这种缓慢发展的主要原因是1880年以前照相干版的蓝色感光反应问题。还有不能把红色和绿色准确地表达成单色影调，使得在大多数情况下，其结果在艺术上无吸引力。1850年在亨利。勒·塞科和阿道夫·布朗的努力下，这一困难接近了克服，他们的静物照片比较能准确地表达艺术成就。在上世纪的最后20年中，正色性(蓝与绿色感光)材料和各种单色印相方法(例如碳素、树胶重铬酸盐印相方法)，使静物摄影作为一种艺术流派受到重视，但是直到20世纪初，全色性黑白乳剂和真正的彩色干版出现之后，才有相当数量的静物照片制作出来。物摄影本来是作为艺术实践从事的，而现在则经常视作一种商业任务，它是产品说明的基础，是广告摄影的的根本。关于这一点，在产品摄影和广告摄影词条内还将论及。不管是商业或艺术目的，静物摄影的要求是创作出能达到理想表达效果的、深思熟虑的构图。在有了一组被摄物之后，摄影者的任务是找出可以产生令人满意构图的照相机角度和距离。就静物而言，其任务是从镜头的观点来构图。拍摄时应把组成部分逐步集结，并重复地从照相机观看或把眼睛直接放在镜头位置处核实情况如何。组成部分、构图和布光的选择应完全在摄影者的控制下。不同于拍摄有生命的被摄物，静物的拍摄不需要心理学上的或感情上的处理．摄影者可单独工作，精力集中并随心所欲地仔细从事。因为构图、布光和精确的表达细部很是重要，所以大部分静物摄影使用大型外景照相机拍摄。此类照相机的直接取景和位置调整装置增加了摄影者对图片形态面貌的控制能力。

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